Как закалялся гламур (статья для журнала Make Up)


Все труднее становится определить, что есть «гламур», или перечислить признаки, относящиеся к этому стилю. Его давно воспринимают интуитивно: ведь недостаточно одеться модно или «блестяще», чтобы выглядеть гламурно, слишком много нюансов и деталей создают его неповторимый «шик». Гламур нельзя сымитировать – им можно только жить.

 

Что в имени?

Принято считать, что слово «гламур» - французского происхождения. А вот во французских словарях оно значится как англицизм, заимствование. И действительно, впервые это слово было зафиксировано шотландским поэтом Алланом Рамзаем в 1721 году, и значило оно «обман, морок, пелена». Но Рамзай, конечно же, не изобрел слово «гламур». В устной речи «glamour» (шотландское искажение английского слова grammarye, «грамматика») существовало давно и означало грамотность. Но поскольку умение читать в те времена было сродни колдовству, «glamour» вскоре стало значить волшебство любого рода. В XIX веке другой шотландец, Вальтер Скотт, активно использовал это слово в своих романах, но применял его уже как синоним слова «очарование». Его героини стали первыми женщинами, наделенными «гламуром».

Французам это слово понравилось, и они быстро ввели его в собственный обиход: видимо, привычный им «шарм» не передавал всех оттенков магического действия женщин на мужчин. И к XX веку происходит повторное заимствование – из французских журналов «гламур» перекочевывает в американский «глянец», откуда начинает свое победное шествие по планете. Слово «гламур» начинают активно употреблять по отношению к тем, кого сегодня называют прародительницами гламурного стиля – первым кинодивам. Собственно, в Америке он практически сразу обретает свое современное значение: «гламур» – это не женское очарование, а блеск, роскошь, эффектность. В Россию слово «гламур» проникло благодаря журналу Glamour, в начале 90-х мы впервые знакомимся и с «красивой жизнью», и с сопровождающей ее терминологией. Сегодня гламур – это не столько стиль в моде или макияже, сколько определенный образ жизни.

 

Легенды и дивы

Но до того как стать иконой, гламур все-таки был стилем – с определенным набором ухищрений и орудий. Изобретательницами «гламура» - интуитивными, конечно, - принято считать первых звезд черно-белого кино. Они украшали себя облегающими платьями, мехами, жемчугом, и только так «выходили в свет», поскольку сразу поняли, что и в обычной жизни должны оставаться богинями. «Богини» отдавали предпочтение длинным волосам, пухлым губам и глазам, опушенным длинными ресницами. Такой подчеркнуто элегантный и женственный стиль выгодно отличал их от модниц того времени – красоток 20-х годов с их агрессивным макияжем, более близким к стилю «вамп», чем «гламур».

Здесь требуется сделать небольшое отступление. 20-е годы XX века ознаменовались как отправная точка истории массовой женской моды, женского макияжа и во многом – женского самосознания. Девушки и женщины впервые начинают активно краситься, в продажу поступает первая косметика, доступная многим. Красавицы, получившие в свое распоряжение новые «игрушки», зачастую перебарщивали с макияжем¸ и к тому же были похожи друг на друга как близнецы: выщипанные и нарисованные заново тонкие брови, агрессивно подведенные глаза, очень белая кожа, четко очерченные губы… Они коротко стриглись и куда больше напоминали мальчиков, чем женщин. Их так и называли – garconne, «мальчик» по-французски.

В начале 30-х женственность и элегантность начали брать свое, и в массовую моду вернулись волосы до плеч и сдержанный макияж, а женщины стали носить подчеркивающие талию платья с удлиненными юбками. Но кинодивы продолжали отдавать предпочтение проверенной униформе 20-х: облегающим фигуру платьям с глубоким декольте, мехам и жемчугу. Первой «гламурной» женщиной того времени принято считать Риту Хейворт, звезду начала 30-х. Вслед за ней свою дань в формирование стиля «гламур» внесли Грета Гарбо и Марлен Дитрих. Самой узнаваемой «гламурной» деталью стал мех – возник настоящий культ меховых манто и боа. Вторым аксессуаром стала длинная нитка жемчуга. Макияж приблизился к естественному, но в «гламурном» варианте его усиливали некоторые акценты: удлиненные ресницы, более четкая линия бровей, блестящие губы. Тогда же окончательно в моду вошли блондинки. А в модный словарь вошло выражение «glamour of Hollуwood». Гламурных женщин отличала не столько подчеркнутая женственность, элегантность, сколько элитарность, которую в первую очередь подчеркивали дорогая одежда и драгоценности.

Слово «glamour» окончательно заняло свое место в списке модных слов в конце 40-х. После окончания II Мировой войны экономика переживала вполне объяснимый упадок, поэтому модная одежда и дорогой макияж были доступны лишь узкому кругу избранных. Одновременно произошло рождение нового направления моды: Кристиан Диор представил свой «New Look» - новый образ женщины в стиле новой роскоши. А в 50-х роскошный стиль стали воплощать такие внешне разные женщины, секс-символ Мерилин Монро и Одри Хепберн с ее подчеркнутой невинностью, аристократка Грейс Келли и Брижит Бардо с ее пышными, вполне «простонародными» формами. Всех их объединяло одно – в той или иной форме они воплощали характерную для 50-х идею совершенства.


       
Лучшее из лучшего

Собственно, начиная с 50-х и 60-х гламур как стиль впервые перестает контрастировать с основными течениями моды (как это было в 20-х и 30-х) и ассоциироваться исключительно с вечерними туалетами. Он активно вбирает лучшее, особенно из моды «от кутюр», чему немало способствует расцвет шикарных домов – Диора, Живанши и других. Впрочем, гламур в одежде по-прежнему не терпит жестких форм, предпочтение отдается открытым плечам, струящимся тканям, обилию украшений и легкому, неагрессивному макияжу. Гламур, как это ни парадоксально, становится близким к естественности – но в ее улучшенном, почти сказочном варианте. Здоровая кожа, блестящие волосы, красивая, но при этом удобная одежда (без жестких плечиков и накладных элементов), дополненная дорогой бижутерией – вот что такое гламур в эпоху расцвета моды. В 80-х понимание того, что есть «гламур», во многом определяют многочисленные сериалы из жизни богатых, он окончательно перестает определяться только внешностью, но становится образом жизни во всех «роскошных» деталях.

Немало для рождения нового гламура делают и фотографы глянцевых журналов. С их легкой руки модели перестают быть просто «манекенами» - они оказываются в центре фотографии, и одежда оказывается лишь способом привлечь внимание к женщине. Формируется понятие «гламурного образа», для которого одежда иногда не требуется вовсе. Понятие «гламур» тесно переплетается с сексуальностью, что как нельзя больше соответствует эпохе сексуальной революции. Романтика умирает, чтобы уступить место идеологии гламура.

Сегодня в число «гламурных икон» входят не только кинодивы: очарование в стиле Одри Хепберн давно проиграло эпатажности Пэрис Хилтон. Гламур заключается не столько в драгоценностях, сколько в общей ауре элитарности, избранности, в способности обладать лучшим – будь то одежда или стиль жизни. Но одно осталось неизменным: чтобы считаться «гламурной», девушка должна обладать абсолютной и несомненной индивидуальностью. Иногда, чтобы оказаться на гребне моды, нужно полностью отказаться от нее.

Перманентный макияж: полное собрание заблуждений (из цикла статей о косметике)

Перманентный макияж: полное собрание заблуждений

 

Новая косметическая процедура, перманентный макияж или татуаж, становится все популярнее. «В сущности, это тот же макияж, только наносится он в салоне и держится на протяжении нескольких лет» - рассуждают многие женщины. Но так ли все просто?  Чтобы определиться, насколько перманентный макияж подходит лично вам, познакомьтесь с нашей коллекцией заблуждений. Вдруг среди них окажутся и ваши?

 

Татуаж и татуировка – одно и то же.

Скорее, это близкие родственники. При выполнении татуажа, как и при нанесении татуировки, нарушается целостность кожного покрова (грубо говоря, он «прокалывается» или «процарапывается»), а затем в «ранки» вводятся красящие средства, или пигмент.  Получаются устойчивые линии. Но для татуировок концентрация красящего препарата в четыре раза выше, и «процарапывается» кожа глубже. Кроме того, в красках для тела больше минеральных веществ – они нужны для получения чистых ярких цветов. При перманентном макияже кожный покров нарушается неглубоко (не более чем на 1 мм), а в составе красок больше органических (растительных) элементов, благодаря которым можно получить множество тончайших естественных оттенков. Чем больше красок и оттенков у мастера, тем шире его возможности.

 

Перманентный макияж годится только для губ и бровей.

Корректировка формы и цвета губ, как и прорисовка бровей – самые популярные способы использования перманентного макияжа. Например, можно просто обвести природный контур губ: это сделает его более выразительным, а вас избавит от необходимости пользоваться косметическим карандашом. Если сделать растушевку цветом, то можно будет отказаться от помады. Впрочем, не каждая женщина хочет в течение пяти лет носить один и тот же тон. Так что лучше ограничиться перманентным контуром – благодаря ему помада не будет растекаться. Еще перманентный макияж позволяет зрительно увеличить губы. В этом случае перманентный контур наносится выше природного, а промежуток между ними зарисовывается цветом, близким к натуральному.

При прорисовке бровей на кожу наносятся небольшие короткие штрихи. Они визуально делают брови гуще. По желанию можно сделать и сплошную линию. Она обозначит желаемый контур бровей, и чтобы привести их в порядок, достаточно будет выщипать лишние, выбивающиеся из контура волоски.  Татуаж не вредит луковицам волосков: они залегают глубже в коже, чем делается прокол.

При перманентном макияже глаз на веки по линии ресниц наносят стрелки. Стрелку можно сделать густую и четкую, как будто она нарисована карандашом, а можно ее растушевать, и тогда ресницы будут казаться гуще.

Еще один способ использования татуажа – прорисовка родинок. С его помощью можно улучшить форму настоящих родинок – но только если они не выпуклые. В противном  случае родинки лучше не трогать.

Но кроме всего этого, перманентный макияж может стать альтернативой пластической хирургии. С его помощью можно замаскировать «заячью губу», вернуть естественную форму и цвет ареоле соска после операции на груди, скрыть шрамы и пятна под пигментом телесного цвета. Если у женщины с возрастом «опустился» уголок глаза, правильно нанесенная стрелка сможет скрыть этот недостаток и зрительно омолодить ее на несколько лет. Перманентный макияж поможет выглядеть лучше при таком заболевании, как алопеция (выпадение бровей и ресниц). А еще он поможет подправить или скрыть, например, асимметрию глаз.

 

Обычный макияж можно заменить татуажем.

Перманентный макияж только намечает линии для нанесения основного, обычного макияжа. Если вы сделали стрелки на глазах, это не избавит вас от необходимости нанесения туши, а если очертили контур губ, то лучше воспользоваться и губной помадой. Татуаж сократит время, которое приходится проводить перед зеркалом, но это относится в первую очередь к легкой «раскраске», например, к утреннему макияжу, когда достаточно только припудриться, чуть-чуть подрисовать глаза и подкрасить губы.

Но если у вас аллергия на декоративную косметику, перманентный макияж может оказаться неплохой альтернативой, поскольку делается он гипоаллергенными препаратами. В этом случае стоит подумать и о перманентной окраске губ, что заменит губную помаду.

 

Перманентный макияж нужен только лентяйкам.

Перманентный макияж облегчает жизнь всем женщинам, но есть профессии, при которых только он позволит в течение дня  выглядеть достойно. Перманентный макияж поможет тем, кто большую часть времени проводит у воды  (в бассейне, сауне, на пляже) или в спортзале. Поскольку грим быстро оплывает под ярким светом софитов, перманентный макияж -  спасение для телеведущих. Так называемым публичным персонам – политикам, бизнесменам, певцам, актерам и всем, кто не хотел бы оказаться на страницах желтой прессы в непрезентабельном виде, тоже стоит подумать о татуаже.

 

Процедура татуажа абсолютно безболезненна и безопасна.

На обрабатываемые участки кожи наносят кремы и гели с анестезирующим эффектом. Если татуаж делают на веках, в глаза закапывают обезболивающие капли. В целом такая анестезия держится до десяти минут, так что кремы приходится наносить несколько раз. Не забудьте о возможных аллергических реакциях, особенно на капли для глаз. Иглы и инструменты обязательно должны быть одноразовые.

Для нанесения перманентного макияжа есть ряд противопоказаний. В салонах обычно указывают только одно: герпес. На самом деле врачи не рекомендуют делать татуаж при беременности, если клиент болен сахарным диабетом или бронхиальной астмой, болезнями крови, кожными заболеваниями. Одно из самых серьезных противопоказаний – склонность кожи к образованию келоидных рубцов. В этом случае невозможно предугадать, как поведет себя кожа при заживлении.

Что же касается герпеса, то в любом случае стоит провести его профилактику за неделю до процедуры.

 

 

Перманентный макияж можно нанести за двадцать минут.

Двадцать-тридцать минут обычно уходит только на нанесение пигмента. А до этого мастер должен потратить немало времени на определение формы, объема и подбор тона будущего рисунка. Еще до нанесения пигмента рисунок «вчерне» выполняется на лице смывающимися красками. И лишь получив согласие клиента, мастер начинает работу. За один сеанс обрабатывается только одна область лица. Если клиент хочет выполнить татуаж и бровей, и губ, лучше разбить процедуру на несколько сеансов: кожа должна отдыхать. Кроме того, постепенное введение красок позволяет более равномерно распределить ее под кожей.

А до того, как клиент сможет увидеть окончательный результат работы, пройдет не меньше двух недель. Сразу после процедуры на коже появятся небольшой отек и покраснение, которые исчезнут через несколько часов. Затем на месте ввода перманента образуется корочка. Ее нельзя удалять или ускорять заживление лечебными мазями – под корочкой идет важный процесс: собственно внедрение пигмента в кожу. После того, как корочка сойдет, краски могут показаться слишком яркими. Не стоит пугаться, тон специально задается интенсивнее чем задумывался, поскольку еще через неделю он поблекнет. Все время, пока идет заживление, нельзя травмировать кожу: загорать, посещать сауну, бассейн, протирать спиртосодержащими лосьонами, мыть горячей водой.

 

 

Перманентный макияж держится до восьми лет.

Срок жизни перманентного макияжа – от шести месяцев до пяти лет. Растительные составляющие краски недолговечны, к тому же очень подвержены влиянию солнца, поэтому линии перманентного макияжа быстро  разрушаются и выгорают. Скорость разрушения пигмента зависит и от скорости обменных процессов в коже – на лице она обновляется в несколько десятков раз быстрее, чем на теле. Поэтому восемь лет может продержаться перманентный макияж, сделанный не на лице: например, татуаж ареолы соска или пикантная родинка, нанесенная на ягодицу.

Не стоит забывать и о том, что перманентный макияж разрушают такие интенсивные косметические процедуры, как пилинг.

 

Разные салоны предлагают разные услуги: контурный макияж, микропигментацию, татуаж. Бывает трудно определиться с выбором.

На самом деле и микропигментация, и татуаж, и контурный макияж – одно и то же. Разные названия не меняют сути процедуры, которая в международной практике носит всего два названия: перманентный макияж и художественная татуировка. А мастер по нанесению перманентного макияжа называется линержист.

 

Врезки

Ничто не ново

Считается, что татуировка была изобретена древними племенами Полинезии. Слово «тату» - полинезийское, и означает «рана» или «знак». С помощью татуировок отгоняли злых духов, обозначали свой социальный статус, принадлежность к определенному племени.

Первое упоминание о процедуре, напоминающей современный татуаж, относится к временам Древнего Египта. Красавицы наносили на лицо царапины остро заточенными бамбуковыми палочками и прокрашивали их натуральными красителями.

В 1880 году нью-йоркский косметолог Сэмюэл О’Рейли разработал электрический аппарат для нанесения татуировок. Но только в ХХ веке на базе искусства татуировки появился перманентный макияж.

 

 

Сюрпризы! Сюрпризы…

Сюрпризы при нанесении перманентного макияжа могут быть не только приятными. Мастер может ошибиться при нанесении линии, нарушить симметрию лица. Сами линии могут получиться нечеткими, растушеваться.  Самое неприятное – неожиданное  изменение цвета пигмента. Брови вдруг становятся красными, а губы – синими. Это значит одно – вам ввели некачественные или просроченные пигменты. Все эти неприятности можно подкорректировать, только заново сделав перманентный макияж

 

 

Супергерои: Через звезды к терниям (из цикла статей о кино)

Супергерои: Через звезды к терниям

Человечество с библейских времен грезит о сверх-человеке. В XX веке мечта, наконец-то, обрела жанровое воплощение: комиксы подарили нам супергероев. Они такие же, как мы – только лучше, они – воплощение детских фантазий и утешение для тех, кто так и остался детьми. Зло будет наказано, добро победит, счастливый конец предсказуем. Почему же потребовалось меньше ста лет, чтобы людям захотелось увидеть в супергерое всего лишь человека, такого же уязвимого, как все? 

 

Супермен: первый и лучший.

Путь супергероев на экран неизбежно лежит через комиксы. Супермен появился на свет благодаря писателю Джерри Сигелю и художнику Джо Шустеру, которые представили его публике в 1938 году в первом выпуске журнала Action Comics. Неизвестно, насколько авторы это осознавали сами,  но они ухитрились создать нечто абсолютно новое: героя, неизвестного человечеству до сих пор. Одновременно они заложили каноны жанра. Поневоле все прочие, творящие в рамках «урбанистических мифов», выступают всего лишь подражателями дуэта Сигель-Шустер. Сколько бы «сверхгероев» не появлялось после Супермена, у каждого из них обязательно есть легенда о необычном происхождении (инопланетяне, мутанты, везучие жертвы катастроф), сверхспособности ( хотя бы часть из них – особенность организма сверхгероя), некая благородная цель (защита общества от злодеев, месть) и доступ к технологиям, позволяющим дополнить сверхспособности фантастическими механизмами (оружием, одеждой, средствами передвижения).

Но если копнуть глубже, в чем-то Сигель и Шустер тоже выступили как подражатели. Вот только первоисточник их вольных или невольных подражаний - из нетривиальных, Библия. В Супермене можно разглядеть черты и древних пророков, которые могли управлять стихиями, и Христа с его необычным происхождением. То, что Супермен – это космическое дитя, которое родители отослали на Землю, чтобы спасти от грозящей их планете катастрофы, напоминает библейскую легенду о Моисее. Того мать положила в корзину и пустила по реке, чтобы спасти от смерти. Даже имя Супермена, Кал-Эл, близко по звучанию к сочетанию «Слово Бога» на иврите.

Итак, на страницах комиксов возник некий Супермен, уроженец планеты Криптон, которого вырастили простые фермеры из городишка Смоллвилль, США, Земля. Ему дали имя «Кларк», мальчик вырос, перебрался в город Метрополис, где стал журналистом. Попутно он вел борьбу со злом во всех его проявлениях, развивал сверхспособности, все больше узнавал о своем происхождении и свойствам загадочного минерала «криптонита» с родной планеты. Комиксы о Супермене выходили десятилетиями, за это время сюжет несколько раз изменялся, у Супермена появилась чудом спасенная двоюродная сестра, со своей серией комиксов о Супердевочке Линде Ли.

На волне неизменного интереса публики в 1978 году случилось неизбежное: сверхгерой наконец-то обрел экранное воплощение. Фильм Ричарда Доннера стал самым амбициозным проектом своего времени. Изначально продюсеры картины в качестве режиссера пригласили Стивена Спилберга, но тот отказался из-за низкого гонорара, и в итоге снял другой хит того же времени – фильм «Челюсти». На роль Супермена тоже не сразу подобрали актера: им мог стать и Арнольд Шварцнеггер, и Сильвестр Сталлоне, и даже Клинт Иствуд. Но в итоге взяли актера-новичка. Фильм от этого не проиграл, более того, он стал классикой кино и объектом многочисленных кинопародий. Кроме того, этот фильм стал и самым кассовым на тот момент в истории кинокомпании Warner Brothers.

Тем не менее, продолжение фильма о Супермене сняли только много лет спустя – в 2005 году. Проект по праву можно назвать «многострадальным». Впервые о нем заговорили еще в середине 90-х, и с того времени было потрачено порядка 50 миллионов долларов, в основном на многочисленные варианты сценариев и первые компьютерные наработки. Почти все варианты сценария обыгрывали тему смерти Супермена и его воскрешения (видимо, и продолжатели дела Сигеля-Шустера не могли избвиться от призрака мифа о Христе). Брэндон Рут, сыгравший Кларка, тоже не привнес ничего нового в образ: он всего лишь улучшенная и помолодевшая версия Кристофера Рива, сыгравшего Супермена в первом фильме. Из-за этого зрительская аудитория сразу поделилась на лагеря: поклонников классики, которые восхищались столь бережным обращением, и тех, кто хотел увидеть не только зрелищный, но и новаторский фильм. Тем более что другие супергерои, тоже шагнувшие на экраны, претерпели значительные изменения – в первую очередь, в сторону реализма.

 

Бэтмен: самая реалистичная Мышь

Самым показательным стал образ Бэтмена. Он тоже – дитя комиксов 30-х годов, и впервые появился в Detective Comics в мае 1939 стараниями писателя Билла Фингера и Боба Кейна. В отличие от Супермена Брюс Уэйн, миллионер-промышленник, вполне земного происхождения и его главный движущий мотив – месть за смерть родителей. Сам по себе Бэтмен не обладает сверхспособностями, хотя тренировками довел свое тело до совершенства. Больше он полагается на ум и техническое оснащение.

В 1989 году Тим Бартон снял первый фильм из цикла о Бэтмене – яркое, гротескное зрелище в фирменном бартоновском стиле. До него было сделано две попытки экранизации комикса, в 1943 и 1966 годах, но они прошли незамеченными. Именно Бартон создал привычного нам героя, как и среду его обитания – мрачный, готичный Готэм-Сити, вобравший черты многих городов. И в «Бэтмене», и в «Бэтмен возвращается» (1992) Бартон удачно балансировал на грани фарса и высокой трагедии. Во многом ему помогал звездный состав актеров: Джокера, первого антагониста Бэтмена, сыграл Джек Николсон, во втором фильме антигероя-Пингвина не менее удачно воплотил Денни Де Вито. Джоэль Шумахер, подхвативший эстафету Бартона, не смог удержаться от скатывания в китч. «Бэтмен навсегда» (1995) и «Бэтмен и Робин» (1997), конечно же, не провалились в прокате, но и успешными эти картины не назовешь. Джим Керри и Арнольд Шварцнеггер явно уступают прежним злодеям по тонкости игры и сложности образов.

В 2005 году продюсеры решили вернуться к истокам, так сказать, возродить франчайз и рассказать о том, как именно миллионер стал героем в костюме летучей мыши. Режиссер Кристофер Нолан во многом воссоздал историю Летучей Мыши с нуля, в ней мало отсылок к классическому циклу о Бэтмене. Неудивительно, что рабочее название фильма «Бэтмен-5» быстро преобразовалось в более самостоятельное «Бэтмен. Начало», а продюсеры тут же сели разрабатывать проект-продолжение под условным названием «Бэтмен. Год первый». Главная черта обновленного «Бэтмена» – уход в большую реалистичность. В частности, Нолан отказался от компьютерных декораций Готэм-Сити, съемки шли на улицах Лондона и Чикаго. Главное – не спецэффекты, он хотел показать постепенную трансформацию характера своего героя, что вполне удалось. Кроме того, Нолан и по сюжету вернулся к более реалистичной истории, показанной в оригинальном комиксе. Родители Бэтмена пали не от руки Джокера, как это было показано в первом фильме (только чтоб накалить отношения между героем и антигероем), их убил простой уличный воришка. К слову, продюсеры фильма постоянно поддерживали связь с фанатами комикса. Именно благодаря победе на голосовании фанатов Кристиан Бэйл получил роль Бэтмена.

Именно в силу реалистичности и психологизма последний проект, фильм  «Темный рыцарь» (2008) даже трудно назвать ремейком первого «Бэтмена» 1989 года. Нортон пошел еще дальше, и перенес условного героя из не менее условного мира в мир реалистичный. В итоге можно говорить о новом витке развития жанра, как и о том, что у Бэтмена открылось второе дыхание – тем более что благодаря работе Бейла супергерой впервые успешно конкурирует по силе образа с антигероем. Он решает невыдуманные проблемы и страдает вполне по-человечески. Джокер не уступает ему по психологизму: в версии актера Хита Леджера превратился в анархиста-разрушителя. Новаторство Нортона оправдало себя, о чем можно судить и по кассовым сборам, и по реакции зрителей. «Темный рыцарь» неожиданно пришелся по душе и поклонникам «лубочной» яркости Шумахера, и ценителям мрачной готики Бартона. Похоже, вместе с Бэтменом повзрослела и публика. Несомненный успех фильма омрачила лишь смерть актера Хита Леджера – еще до выхода картины на экраны. Ожидается, что члены американской Киноакадемии вручат ему «Оскара» посмертно.

 

Невероятный Халк: проклятие для супергероя

А вот еще одному супергерою, Халку, с киноверсиями повезло куда меньше. Зеленого монстра, в которого превращается ученый-физик Брюс Баннер, придумали Стэн Ли и Джек Кирби в 1962 году. Сегодня это самый узнаваемый персонаж издательства Marvel Comics. Брюс-Халк страдает раздвоением личности, что позволяло последующим авторам комикса (он издается до сих пор) поочередно использовать его и как героя, и как злодея. И если Баннер – это почти лишенный эмоций гений, то Халк – чуть ли не животное, чьи силы возрастают в зависимости от того, насколько он разозлится. «Чем злее Халк, тем сильнее Халк» - часто повторяющаяся фраза комикса.

Продюсеры не могли пройти мимо такого перспективного персонажа, поэтому еще до выхода полнометражного фильма было сделано несколько телефильмов и мультсериалов. На большой экран Халк вышел в 2003 году, в версии режиссера Энга Ли. Тот неоднократно заявлял в прессе «Я снимаю не комикс, а греческую трагедию», но в результате слишком увлекся компьютерными эффектами. В итоге часть публики ругала фильм за то, что он перегружен психологизмом, и собственно действие начинается ближе к середине, другая же часть отказала фильму хоть в каком-то намеке на психологизм. Халк лихо сражается с атакующими его самолетами, с легкостью раскручивает танк, схватив его за дуло, и демонстрирует прочие чудеса, доступные в эпоху компьютерных достижений. Но его «человеческое» воплощение, Баннер, в исполнении актера Эрика Бана выглядит неубедительно.

В 2008 году сделана еще одна попытка снять «Халка». Фильм позиционируется именно как новая адаптация, а не продолжение картины Ли. Франшизу запустили заново – сменив и режиссера, и актерский состав. Место Эрика Бана занял Эдварт Нортон, а его противником стал Тим Рот. Оба актера уже успели прославиться как драматические актеры, они соглашались на простые жанры вроде экшена, то только если режиссерами выступали такие фигуры как Ридли Скотт или Тим Бертон. Нортон внес собственные поправки в сценарий, и новый режиссер франшизы, Луи Летерье (известный по фильмам «Перевозчик» и «Перевозчик-2») с готовностью пошел на встречу. Картину украсила своим присутствием Лив Тайлер.

Фильм получился ярким, зрелищным и – наконец-то – психологичным. «Половинки» Халка ненавидят друг друга, и суперспсобности чуть ли не впервые за историю экранизации комиксов подаются не как дар, а как проклятие. После того, как неуправляемая сила Халка вырывается на волю, ученый Баннер уходит в добровольное изгнание. На супергероя начинают охоту те, кого по канонам жанра он должен защищать – сами люди. И лишь когда на горизонте возникает чудовище пострашнее Халка, Баннер примиряется со своим «вторым я» и направляет его силу на борьбу. Финальная битва настолько впечатляет, что оторваться от экрана невозможно. Хочется отдать должное режиссеру: он сумел в нужной пропорции совместить и спецэффекты, и актерскую игру. При этом Летерье ухитрился остаться в рамках комикса, не углубляясь в более серьезные жанры. Все-таки зрителю иногда хочется просто развлечься, а в мире должно оставаться место для сказок со счастливым концом.

Червонная королева: Берегите головы! (Из цикла статей про сказочных героев)

Червонная королева: Берегите головы!

Червонная королева (она же Королева Червей, или Queen of Hearts в английском оригинале) появляется в сказке «Алиса в стране чудес» только в самом конце, но это не помешало ей стать персонажем не менее ярким, чем собственно маленькая Алиса, попавшая в Королевство Карт через кроличью нору. Да и как забыть ту, кого сам создатель, английский писатель и математик Льюис Кэрролл, назвал «воплощением безудержной страсти – нелепой и слепой ярости». Берегите головы и нервы: если власть оказывается в руках такой злодейки, пострадать может и то, и другое.

 

Между вымыслом и реальностью

Писатель Льюис Кэрролл наделил Червонную Королеву страстью обезглавливать своих подданных, а художник Джон Тенниелл, иллюстрировавший первое издание сказочной повести «Алиса в Стране чудес» - внешностью, в которой при желании можно было угадать черты правившей тогда королевы Виктории: двойной подбородок, грузность и невысокий рост. Но английская правительница обладала куда более сдержанным нравом, голов никому не рубила, хотя подданными правила железной рукой. В ее честь названа целая эпоха (викторианская), и в своем стремлении «поддерживать дух нации» она заходила довольно далеко. Регламенту подчинялось все: от длины юбок до литературных вкусов. Впрочем, англичане обожали свою королеву. Рисунки Тенниелла, возможно, говорят лишь о том, что прочитав в книге «королева» (и неважно, положительный или отрицательный это был персонаж) любой англичанин представлял обожаемую и обожествляемую Викторию. Кэрролл тоже придал Червонной Королевы некоторые черты Виктории. Та обожала своего мужа, принца Альберта (после его смерти она 40 лет оставалась вдовой и носила в память о нем только черное), так что в «Алисе….» единственный, кто сможет справиться с приступами гнева Червонной Королевы – это ее муж.

Впрочем, повесть написана таким образом, что любой исследователь в любом из героев найдет материал для собственных интерпретаций. Историк Ч.У. Скотт-Джайлз видит в Червонной Королеве черты королевы Маргариты, боровшейся с Йорком на стороне династии Ланкастеров в период Войны Белой и Алой Розы. Якобы именно поэтому садовники Червонной Королевы спешат перекрасить белые розы в алый цвет Ланкастеров.

Но особенно полюбились обе повести об Алисе (у сказки есть продолжение, «Алиса в Зазеркалье») фрейдистам. Поскольку в финале обеих сказок оказывается, что приключения Алисы – всего лишь сон, все встретившиеся ей удивительные создания можно трактовать как порождения ее подсознания. Алиса в понимании фрейдистов – идеальный пациент, поскольку относится к чудовищам из собственного подсознания со здоровым любопытством, безупречной вежливостью и даже юмором.

 

«Все чудесатее и чудесатее»

Фрейдистская трактовка легко угадывается в лучшей на данный момент экранизации книги – фильме 1999 года «Алиса в Стране чудес». У режиссера Ника Уиллинга каждый актер отыгрывает сразу двух персонажей – сказочного, из сна Алисы, и кого-то из ее окружения в реальной жизни. Исключения – Тина Маджорино (Алиса) и Вупи Голдберг, блестяще сыгравшая Чеширского Кота. По версии Уиллинга Червонная Королева из подсознания Алисы – это ее мать. А путешествие Алисы – способ преодолеть собственные страхи. Фильм получил четыре премии «Эмми» за грим, музыку, визуальные эффекты и костюмы. К слову, при создании образов героев, гримеры и дизайнеры ориентировались на иллюстрации Тенниелла.

До эпохи спецэффектов «Алиса» была любимицей аниматоров самых разных стран – Великобритании, Японии, России. Сказка переполнена невероятными чудовищами и сложными трюками: Алиса то уменьшается, то увеличивается в росте, Чеширский Кот постоянно растворяется в воздухе, так что от него остается лишь улыбка – все это куда проще изобразить на бумаге, чем снять камерой. Психоделическую атмосферу сказки тоже было легче передать рисунком, чем декорациями. Впрочем, существует экранизация «Алисы в Стране чудес» даже периода немого кино, с очень интересными для того времени спецэффектами.

В 1951 году «Алису в Стране чудес» экранизировала компания Диснея. Мультфильм получился занимательным, но без характерного для оригинала привкуса безумия. К тому же Дисней довольно вольно обошелся с сюжетом: убрал некоторых героев, добавил других, из «Зазеркалья». Червонная Королева Диснея – всего лишь сумасшедшая толстуха. Куда лучше удались образы Гусеницы, курящей кальян и Чеширского Кота с невероятно широкой улыбкой. Позже, уже в девяностых, на канале Disney транслировалось шоу по мотивам приключения Алисы. Оно продержалось почти пять лет.

 

Королевы среди злодеек  

Сказки об Алисе продолжают вдохновлять режиссеров. Мила Йовович уже высказала готовность сыграть Алису в фильме, который планируют сделать по компьютерной игре, навеянной мотивами «Страны чудес» и «Зазеркалья»: психоделическому шутеру «American McGee's Alice». В игре девочка, вооруженная крикетной клюшкой, лихо сносит головы чудовищам, захватившим Страну чудес, а в финале сражается с самой собой. Проснуться ей еще труднее, чем Алисе из оригинальной сказки – ведь проснувшись, она столкнется с тем фактом, что лежит в больнице. Она случайно устроила пожар, в котором сгорели ее родители.

К слову, Миле Йовович не впервые играть Алису. Ее героиня из «Обители Зла» (2002) носит именно такое имя, и в фильме немало реминисценций из обеих сказок. Там даже есть Королева – но не Червонная, а Красная (Red Queen – намек на антагонистку Алисы в «Зазеркалье»), так себя называет взбесившийся кибер-мозг. В фильме присутствует и белый кролик, и сцена прохода через зеркало. Белый кролик встречается и в другом культовом фильме, «Матрица» (1999). В начале фильма Морфеус приказывает Нео «следовать за Белым Кроликом».

Червонная Королева, которая появляется в книге про Алису всего в двух главах, образ настолько архетипический, что ее черты можно отыскать во многих кино-злодейках. В жестокости ей не уступит Круэлла из «101 далматинца», а в умении навести ужас на тех, кто от нее зависит – Миранда Пристли из «Дьявол носит «Прада»» (2006). Миранда с такой же скоростью и так же немотивированно «казнит» своих подчиненных, и ее мотивы зачастую так же необъяснимы, как и у Червонной Королевы. И вообще, приключения Энди Сэкс в мире моды чем-то напоминают приключения Алисы в Стране чудес. Энди многого не понимает, и законы этого мира ей кажутся странными и парадоксальными. Еще труднее ей понять собственную начальницу, которую она в какой-то момент объявляет воплощением Дьявола.

Энди трудно осуждать: Червонные Королевы с одинаковой легкостью устанавливают и отменяют правила игры, и уж совсем невозможно предугадать, когда на подвернувшегося под руку неудачника обрушиться сакраментальное «Голову ему с плеч долой!».  Но если в какой-то момент вы начнете воспринимать Червонных Королев всерьез, повторите вслед за мудрой Алисой: «Кому вы страшны? Вы ведь всего-навсего колода карт!»

 

Врезки

О книге, авторе и героях

Сказочную повесть «Алиса в Стране чудес» в 1865 году написал английский ученый Чарльз Лютвидж Доджсон. Псевдоним «Льюис Кэрролл» он использовал только для своих «ненаучных» книг. Доджсон трудился в Оксфорде, в одном из образовательных учреждений под названием «Крайст Черч» и даже имел сан диакона. «Алиса» изначально книгой не была – она задумывалась как импровизация, которой Льюис развлекал трех девочек, дочерей ректора Крайст Черч, во время лодочной прогулки. По просьбе одной из них, десятилетней Алисы Лидделл, он записал историю, и подарил рукописный вариант к Рождеству. Через год он дополнил рукопись и договорился об ее издании. Так началось победное шествие «Алисы» по Великобритании, а вскоре – и по всему миру. Хотя книга писалась для детей, ее «узурпировали» взрослые – не только литературоведы, но и ученые, историки, психологи.

Чарльз Доджсон обладал парадоксальным мышлением настоящего ученого, тонко чувствовал язык (книги об Алисе из-за этого трудно переводить, чуть ли не в каждой строчке переводчик натыкается на непереводимую игру слов), к тому же был одним из лучших фотографов своей эпохи. Он с трудом сходился с людьми, исключение составляли дети, и особенно девочки. Его лучшие книги и фотографии вдохновлены Алисой Лидделл, «маленьким другом», как он называл ее в своих многочисленных письмах.

«Алиса в Стране чудес» вошла в список двенадцати «самых английских» предметов и явлений, составленный министерством культуры, спорта и СМИ Великобритании.

 

Прототип против прототипа

Королеве Виктории нравилась Алиса из сказок, а вот ее прототип, Алиса Лидделл – не очень. Четвертый сын королевы, принц Леопольд, обучался в Крайст Черч, и отец Алисы наблюдал за его занятиями. Леопольд часто бывал в доме Лидделлов, в какой-то момент между ним и подросшей Алисой завязался роман. Но королева, конечно же, сочла такую партию для своего сына неподходящей. По ее настоянию он порвал с Алисой и женился на немецкой принцессе. Алиса тоже несколько лет спустя вышла замуж – за Реджинальда Харгривза, чуть менее знатного ученика своего отца. На корсаж свадебного платья невеста приколола жемчужную брошь в виде подковы, которую ей когда-то подарил Леопольд. Принц, видимо, тоже не смог забыть свою юношескую любовь: первую дочь он назвал Алисой.

 

«Алиса» в стихах и музыке

В 1981 году советский мультипликатор Ефрем Пружанский сделал мини-сериал по обеим книжкам об Алисе. Персонажей озвучивал звездный состав: Ростислав Плятт, Марина Неелова, Вячеслав Невинный, Рина Зеленая. В мультфильме много хороших песен, но куда больше их в советской радиопостановке 1976 года, где музыка и тексты принадлежат самому Владимиру Высоцкому. В наши дни свои силы в озвучивании текста повести попробовали Рената Литвинова, Антон Комолов и Николай Фоменко.

В Великобритании есть своя музыкальная постановка сказки, фильм 1972 года «Алиса в Стране чудес». Композитором фильма стал Джон Барри – до этого он был известен как создатель лучших музыкальных тем для фильмов о Джеймсе Бонде. Его песни исполняли такие «столпы» как Луи Армстронг, Майкл Кроуфорд. Другой музыкальный идол, «экс-битл» Ринго Старр сыграл в чуть менее известной экранизации книги, фильме, снятом Гарри Харрисом в 1985 году.